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'tu y yo
solo habremos sido recuerdos,
nunca realidad.
Algo nos está soñando,
entrégame la ilusión.
Vive.'

'la oscuridad se lo está tragando todo'

'todo lo que vas a ser, ya lo eres.
Lo que buscas, ya está en ti.
Alégrate de tus sufrimientos,
gracias a ellos, llegaras a mí'

Alejandro Jodorowsky
Link video La danza de la realidad by Alejandro Jodorowsky


'tu e io
saremmo stati solo ricordi,
mai realtà.
Qualcosa ci sogna,
consegnami l'illusione.
Vive'


"tu e io,
solo ricordi saremo stati,

realtà mai.

Altro ci sta sognando,

dammi l'illusione,

vivi."
versione D. Santalucia

“La imaginación activa es la clave de una visión amplia: permite enfocar la vida desde ángulos que no son los nuestros, imaginando otros niveles de conciencia superiores. Esta búsqueda me separó de mi Yo ilusorio, me hizo huir de Chile y me impulsó a buscar con desesperación un sentido a la vida”. – Alejandro Jodorowsky  








La danza de la realidad . Image courtesy of Pascale Montandon-Jodorowsky.
La danza de la realidad . Image courtesy of Pascale Montandon-Jodorowsky.

Estoy en París. Llevaba tiempo sin ver a Jodorowsky. El lunes cenamos juntos en un chino de su confianza y luego seguimos de charleta hasta la midnight de Woody Allen.
    El pelo canoso del cineasta tiene ochenta y cuatro años, pero en su cabeza bulle la misma juventud y el mismo arrojo que lo condujo aquí, a París, en sus años mozos, con cuatro perras en el bolsillo y el firme propósito de salvar el surrealismo metiendo en vereda a Breton, que había perdido el norte, el sur, el este y el oeste.
     He dicho cineasta, porque el Jodorowsky escritor, novelista, guionista de cómics, psicomago, tarotólogo, mimo, actor y director de escena pasó a la historia después de haber entrado en ella por mil resquicios.
     No soy yo quien lo dice. Es él.
-Dragó, he renacido. Ya no soy nada de lo que fui. Seguiré escribiendo poemas, uno al día, que nadie leerá, pero a partir de ahora sólo soy un cineasta. Siempre lo quise ser. El cine es el arte más completo que existe, pero Hollywood, esa casa de putas que parece Sodoma y Gomorra, lo ha prostituido. Aunque he dirigido siete películas, la más moderna de todas ellas se remontaba a veinte años atrás. Ahora, por fin, gracias a la generosidad de un mecenas al que no le importa perder dinero, he conseguido rodar la octava. La presenté en la Quincena del Realizador del Festival de Cannes y mañana se estrena en París. ¿Vendrás, verdad? Llegas en el momento oportuno.
     Y fui, claro... Eso fue anoche, en una sala de quinientas personas en la que no había un solo asiento vacío. Lo dicho: Midnight in Paris, aunque la proyección empezó a las ocho y media de la tarde.
     Aún estoy tambaleándome. La nueva película -¡aleluya, aleluya, hossanah a quien llega en nombre de Fellini, de Orson Welles, de Moebius, de Topor y de Salvador Dalí!- traslada al cine la primera parte de uno de los diez libros que más me han impresionado a lo largo de setenta años de lector: La danza de la realidad (Siruela), "autobiografía imaginaria, pero no ficticia", de Jodorowsky.
Ése es también el título de la película, que acaba cuando Alejandrito abandona la inhóspita ciudad del norte de Chile en la que nació y se adentra, como aconsejaba Baudelaire, en el fondo de lo desconocido para encontrar lo nuevo.
     Llegará a la capital del país, y lo que allí le sucedió, cobijado en las frazadas de lo que Marinetti había llamado "actos poéticos" (la poesía en acción), será el asunto de la próxima película.
    Habrá, si todo va bien, una tercera entrega: Jodorowsky, que había nacido mientras la crisis de Wall Street reventaba el mundo, decidió quemar las naves de su país, se subió a un paquebote ardiente, tiró al mar su libreta de teléfonos y llegó a París. Tenía veinticuatro años. Esa misma noche, a las tres de la mañana, telefoneó a Breton, que se puso como un basilisco... Pero no nos adelantemos a los acontecimientos.
     La nueva película de Jodorowsky es asombrosa. No hay en ella un solo fotograma que no incendie las pupilas y no active, desde ellas, y desde los tímpanos, porque no menos asombrosa es la banda sonora que lo envuelve todo, los lugares más recónditos de la conciencia, de la videncia, de la violencia, del subconsciente, de la memoria, del olvido y de la inmortalidad.
Nada más terminar la proyección me escabullí, busqué refugio en la terraza del Pied Cochon, que estaba a bocajarro del cine, pedí media botella de Borgoña y envié a Alejandro un par de mensajes telefónicos en los que le decía que era el nuevo Sófocles, que había filmado una tragedia griega y que su película era, entre otras muchas cosas, el relato de varios crímenes perfectos y eslabonados: muerte del padre, muerte del propio Jodorowsky convertido a su vez en padre del niño que él mismo fue y que en el cine encarna su hijo Brontis (un harakiri ejemplar) y muerte de Freud.                      
     Un frondoso árbol genealógico crece, plano a plano, desde las raíces hasta la copa, de rama en rama, de yema en yema, al hilo de toda la película. Adán, otro hijo del autor, la ha convertido en papel pautado y encarna en ella al Anarquista. La esposa de Alejandro, Pascale Montandon, medio vietnamita, medio camboyana y más francesa que Coco Chanel, ha diseñado los trajes y ha decorado el conjunto -muebles, fachadas, telones de fondo, cercanías, lejanías- con pulso de orfebre de las piedras de Angkor.
La danza de la realidad es un chaparrón de símbolos. Los hay a cientos. Todos y cada uno de ellos suscitan una reflexión. Imposible es comprimirlos aquí.
     Hace cosa de tres meses, largos, cuando la película se presentó en Cannes, el enviado especial de este periódico publicó en su contra una de las críticas más feroces que he leído en mi vida. En su derecho estaba, por supuesto, considerando, sobre todo, que la obra así puesta en cuestión es tan extravagante, tan excéntrica, tan concéntrica, tan rompedora, tan rugidora y tan herética que lo raro sería que no disgustase a algunos, quizá a muchos. Veremos.
     Llegaba ese crítico a sostener que La danza de la realidad nunca se vería en los cines, pues nadie en su sano juicio la compraría.
     Pues muy bien... De momento la han comprado en Japón, en México, en Chile, en Canadá y en Estados Unidos, y no para ser exhibida en circuitos de arte y ensayo, sino en salas de gran público. Dentro de unos días se presentará en el Festival de Sitges. Presten atención los distribuidores españoles.
     La expectación suscitada en Francia ha sido espectacular. Las revistas de más tirada del país han dedicado páginas y páginas a Alejandro Jodorowsky.
     Hace tres días se proyectó en el estadio de Tocopilla (ciudad natal del autor) en una pantalla gigante y asistieron ocho mil personas -¡ocho mil!-, que al término de la película lloraban, se besaban y se abrazaban. No está de más señalar que la población de Tocopilla es de veinte mil almas.
     Ayer mismo dio cuenta el New York Times (y otros que tal bailan) de que cierto astrónomo, descubridor de un minúsculo planeta de cinco kilómetros cuadrados que gira alrededor de Marte, le ha impuesto el nombre de Jodorowsky.
-Alejandro -le dije yo al saberlo-. Ya eres como el Principito, ya tienes asteroide...
     Tu Odisea del Espacio acaba de empezar. Saluda a Sófocles.
La danza de la realidad . Image courtesy of Pascale Montandon-Jodorowsky.

La obra cinematográfica de Alejandro Jodorowsky se caracteriza por su poca convencionalidad, atributo que el realizador, escritor y artista chileno también utilizó en la presentación de su nueva cinta, "La danza de la realidad", en YouTube.
Analizando su nueva obra, "La danza de la realidad". Link Alejandro Jodorowsky FR
El artista cradicado en Francia cubre sus partes íntimas con las manos al comienzo de la grabación, pero a medida que aparecen los segundos se muestra más relajado y empieza a gesticular con sus brazos.
"Yo no veo ninguna diferencia entre la poesía y el cine. No veo ninguna diferencia entre desnudar el cuerpo y desnudar el alma. He ahí donde estoy, en plena honestidad, desvestido de cuerpo, desvestido de alma, en plena poesía, 'La danza de la realidad'", dice en el video, que ya fue censurado por YouTube.
En su monólogo, Jodorowsky explica que no quiere ganar dinero con sus películas, sino sólo quiere ejecutar un arte que para él es "sagrado".
"Yo no quiero hacer cine industrial, para ganar dinero, pra poder vivir, quiero hacer cine para perder dinero. Un cine que me obliga a buscar trabajo en otras creaciones. El cine para mí es sagrado, debe servir a abrir nuestra consciencia. A unirnos al pasado, presente y futuro para salvar el mundo. Por supuesto no se puede cambiar el mundo, pero podemos comenzar a cambiarlo", cuenta el realizador de "El topo".
"No me pidan que yo presente mi película. Todo ser es un infinito, mi película es un ser, él habla por si mismo, Yo les entrego mi honestidad, mi verdad, este ataúd limitado donde vive mi alma infinita", concluye el también pintor, guionista y compositor en las imágenes, las cuales grabó para introducir su cinta en una función agendada en Canadá.


"El amor es desaparecer y encontrar tu alma en el otro".
"No obstante, mala la interpretación de la frase de Lacan "amar es dar lo que no se tiene a alguien que no es". 
"Tiene que ver con que hay algo del amor que es del orden del no-todo, entre otras cosas.' 
'Digamos, Lacan aporta la teoría del amor desde "La falta" en torno a la transferencia y la proyección.'

ITALIANO Conferenza consapevolMente 2013 - Lerici 

In Spanish with translation into Italian; Traduzione Antonio Bertoli



ITALIANO Link ALEJANDRO JODOROWSKY - LA DANZA DELLA REALTA' - CONSAPEVOLMENTE 2013 LERICI

ITALIANO Link Alejandro Jodorowsky intervistato by Franco Battiato - La montagna sacra / magica





La montagna sacra / magica - la Montaña Magica
ITALIANO Link Alejandro Jodorowsky and Franco Battiato alla Milanesiana
Alejandro Jodorowsky explica en este vídeo de la importancia de la voz
Link ALEJANDRO JODOROWSKY: "EL USO DE LA VOZ"
Santa Sangre

Link Alejandro Jodorowsky_Los miedos - A estar solo -
Link Alejandro Jodorowsky_Sobre el Fracaso
Link Alejandro Jodorowsky Cabaret Mistico

Link Alejandro Jodorowsky_La relación de pareja y el destino de los hijos 1 / 4

Link Alejandro Jodorowsky_La relación de pareja y el destino de los hijos 2 / 4
Link Alejandro Jodorowsky_La relación de pareja y el destino de los hijos 3 / 4
Link Alejandro Jodorowsky_La relación de pareja y el destino de los hijos 4 / 4

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Alejandro Jodorowsky 01
Alejandro Jodorowsky 02
(...)
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(...)

Link Alejandro Jodorowsky 38

(...)



Teatro del absurdo · Grupo Pánico



Cuando se me invitó a participar en una charla informal sobre el maestro Seki Sano (1896 ó 1905?-1966) tuve mis dudas, pues no me considero experto en su obra, aunque sí debo decir, que es la gran admiración que siento por él y su trabajo como director teatral y maestro lo que me convenció de aceptar la invitación de mi querida amiga Carmen Galindo, porque yo al igual que ella estoy convencido de que Seki Sano fue el gran innovador del teatro en México y a quien injustamente, en mi opinión, se ha mantenido en el olvido.
Pero permítanme antes de entrar en materia, contarles cómo y cuándo fue mi primer contacto con el maestro Seki Sano: Cuando residí en la ciudad de Aguascalientes, a la esposa del gobernador de aquel entonces, Ana Ibarra de Rodríguez, se le ocurrió montar la obra de José Zorrilla Don Juan Tenorio, a beneficio de la navidad del niño pobre. Para dicho montaje, la señora mando llamar de la capital a un director de teatro para que dirigiera la obra, que ensayamos durante un año y que fue interpretada en su mayoría por niños de mi edad, yo tenía entonces apenas 11 años. Me tocó interpretar al Capitán Centellas. Desde ese entonces mi amor y la curiosidad por el teatro fueron parte de mi vida. En 1956, mi familia y yo venimos a radicar a la ciudad de México, fue cuando me enteré de que el maestro Seki Sano tenía una escuela de actuación, de él tenía referencia a través de los periódicos. Conocía de su gran éxito con la obra Un tranvía llamado deseo de Tennessee Williams, la cual se presentó en el Teatro de Bellas Artes con María Douglas y Wolf Ruvinskis a la cabeza del reparto, creo que en 1948.
Le seguí los pasos al Maestro Seki y finalmente después de muchas dudas y titubeos me inscribí en su Escuela de Artes Escénicas, la cual se encontraba en los altos del Cine Chapultepec en Paseo de la Reforma, a un lado del Café Chapultepec, ambos locales ya desaparecidos.
La importancia de Seki Sano en el Teatro en México es realmente trascendental, y como ya dije no creo que a la fecha se le haya dado el lugar que le corresponde a su labor teatral en México. Primero que todo, hay que decir que fue uno de los dos discípulos de Stanislavsky, el otro sobreviviente de esa época fue nada menos que Lee Strasberg, director del Actors Studio de Nueva York, de donde salieron actores de la talla de Marlon Brando, Marilyn Monroe, Dustin Hoffman, Robert de Niro, James Dean, entre otros.
Seki Sano vino a innovar la escena mexicana por su gusto al escoger obras de contenido social y fuerte contenido dramático, por ejemplo: De repente en el verano y Verano y humo y algunas otras de Tennessee Williams que no recuerdo. De Arthur Miller dirigió, Prueba de fuego (1956), Panorama desde el puente (1958), Todos son mis hijos (1959). También recuerdo La Mandrágora (1956) de Nicolás Maquiavelo; Los frutos caídos de Luisa Josefina Hernández; Un hombre contra el tiempo de Robert Bolt basada en la vida de Tomás Moro; La fuerza bruta, de John Steinbeck que centra su acción entre trabajadores del campo en un valle agrícola de California; también montó la adaptación Corona de sombras del maestro Usigli en 1951 en la cual realizó cambios que modificaban más de un cincuenta por ciento de la misma, que incluían la supresión de diez personajes, y varias obras más. Pero también debo señalar que ya en ese entonces existían con bastante éxito los llamados “teatros de bolsillo”, algunos contaban entre cincuenta y cien butacas.
Seki Sano jugó un importante papel en la escena mexicana como director y formador de destacados actores y directores, desde su llegada a nuestro país, (no estoy seguro si fue en 1939) hasta su muerte acaecida en la ciudad de México en 1966. Don Armando de Maria y Campos, uno de los más relevantes cronistas teatrales de la época, se refirió a varios de los montajes y los temas abordados y las obras elegidas por este director, y la influencia que tuvo en varios de sus discípulos, como María Douglas y Wolf Ruvinskis, y creo a reserva de equivocarme, de Felipe Santander y varios actores más. En algunos de sus escritos, De Maria y Campos señala la predilección del maestro japonés por seleccionar obras con contenido de crítica social, como ya mencioné, lo que atribuía a que Seki Sano estaba convencido de que el artista no puede ser indiferente a la sociedad y a la época en que vive; que, al contrario, debe ser agente activo para la toma de conciencia social y política, como la obra que montó en 1946 de John Steinbeck, La fuerza bruta.
Cuando yo decidí matricularme en los cursos de actuación en aquel entonces, la colegiatura era cara, pues costaba 300 pesos mensuales, y las clases tenían lugar los días lunes, miércoles y viernes, de 4 a 6 de la tarde. Recuerdo nítidamente la primera vez que entré a su clase, fue una experiencia aterradora; su personalidad imponía. Siempre tenía un aspecto agrio, era rengo, nunca supe cual fue el accidente que provocó su inmovilidad en la rodilla, creo que la derecha, lo que le obligaba a usar bastón. De su vida privada sólo recuerdo que alguna vez estuvo casado con la bailarina y coreógrafa Waldeen, se habló también de una relación sentimental con la actriz María Douglas, quien muchos años después tuvo una muerte infortunada, ya que se suicidó.
Quien lograba sobrevivir a las tres primeras clases conseguía ver la gran personalidad de Seki Sano, porque en el fondo era una persona con un gran conocimiento del ser humano. Recuerdo que varios de los compañeros no resistían más que la primera clase y ya no volvían, otros salían llorando y los más valientes que resistimos después de la primera semana, nos dimos cuenta que su rudeza era sólo aparente, pues Seki, como le decíamos con afecto, era una persona noble y generosa. Eso sí, nos ponía a prueba, por ejemplo a mí, la primera agresión que tuve de parte de él me provocó un nudo en la garganta y estuve a punto de salir corriendo del salón de clase cuando me dijo: “queee, qué, qué me esta diciendo Landeros, qué me esta diciendo”, y yo le contesté no sé que cosa, y me dijo: “hable bien, module las palabras, no le entiendo nada, habla usted como perro”, yo me quedé pasmado, casi tartamudeando al borde del llanto y después de que me sobrepuse le respondí: “por eso estoy aquí Maestro, para que me enseñe a hablar” y desde entonces le perdí el miedo y me di cuenta de todo lo que era capaz de enseñarnos: desde analizar textos teatrales hasta crear sus personajes.
En otra ocasión íbamos a montar una escena, un ejercicio en que cada estudiante podía elegir la escena de la obra que nos gustara para presentarla, entonces lo intenté con una amiga mía, de una personalidad controvertida, poetisa, uruguaya, que se convirtió en un personaje en la Facultad de Filosofía y Letras por los años sesenta, que quise mucho y cuyo nombre era Alcira Soust Scaffo. En esa ocasión escogimos la escena de la obra de Henrik Ibsen Espectros, decidimos presentar la escena donde se encuentra la señora Alving, la mamá de Osvaldo, en el momento en que Osvaldo empieza a volverse loco cuando le pide a su madre que le regale el sol, Seki Sano se rió de nosotros, y a Alcira le dijo que era una madre muy coqueta y que no había entendido nada del personaje, a mí me dijo que el personaje de Osvaldo me sentaba bien, lo que no me gustó mucho. Lo interesante de la Escuela de Vivencia era que nos obligaba a hacer los antecedentes de cada personaje, es decir, que cada uno de nosotros al escoger tal carácter de la obra de que se tratara debíamos construirlo a través de sus antecedentes, teníamos que inventar qué educación tenía el personaje, cuándo había nacido, cuál era su situación dentro de su familia, saber cuál era la influencia que había tenido de su madre, su padre, sus hermanos, vamos, dependiendo del caso, teníamos que construir, es decir, inventar los antecedentes de los personajes que íbamos a interpretar y además, recurrir a la memoria, por ejemplo, si se trataba de una escena triste nos obligaba a recordar algo que había pasado en nuestra vida y a partir de esos antecedentes se creaba el personaje.
Seki Sano fue un hombre que amó al Teatro y vivió para el, y cuya honestidad lo obligaba a vivir modestamente.
También se sabía que fue alumno y colaborador de Stanislavsky el creador de la Escuela de Vivencia y fue Seki quien introdujo en México, y lo recalco nuevamente, el método de formación y dirección de actores de su maestro, propiciando el desarrollo del realismo.
Tengo entendido que antes de venir a México estuvo algunos años en Colombia, organizando la Escuela de Artes Dramáticas en los años cuarentas.
Recuerdo a algunos compañeros de clase que desfilamos por su escuela, viene a mi memoria Benito Alazraki productor y director de cine; la rumbera Rosa Carmina que quería enseñarse a actuar, a quien Seki le dijo que él no era mago; Estela Bracamontes, quien terminó siendo maestra de arte dramático, a quien una vez le dijo: “por qué usted siempre interprete el papel que interprete, tiene la misma cara”, por primera vez Estela le contestó tajantemente: “Maestro, porque no tengo otra” lo que hizo que todos los alumnos nos mordiéramos la lengua para no soltar la carcajada, y así hubo muchas otras anécdotas. A mí me marcó en lo personal muy benéficamente, me enseñó a observar cómo desde el caminar de un actor se va construyendo el personaje; recuerdo cómo nos decía que observáramos a la gente cuando camina y apoya primero el talón y después la punta del pie o viceversa lo que indica en el primer caso que se trata de una personalidad fuerte y segura, y en el segundo de una persona tímida; desde los tonos de voz, las pausas, la dicción, el saber mover los labios; porque hay actores, por ejemplo Rita Macedo, quien nos daba clase de dicción, jamás pudo mover el labio superior y no pudo corregir el defecto que tenía en su dicción, y así fueron muchas cosas que nos enseñó, hasta la forma de sentarse y caminar, y así poco a poco ir creando el personaje en cuestión.
Seki nunca permitió que se plagiaran las puestas de escena como otros directores lo hacían y lo siguen haciendo: van a Broadway, graban la obra y copian desde el tono de los actores, el ritmo y las pausas y compran los derechos de la escenografía y del vestuario para producir la obra en México y el resultado es que hacen un pastiche en el cual a los actores los convierten en verdaderos loros porque no saben realmente nada de su personaje.
Seki, al igual que el gran autor y director, mi admirado Héctor Mendoza, les iba sacando paso a paso a los actores el personaje, verlos dirigir era realmente un privilegio.
La importancia de Seki Sano como director de Teatro en México consiste en que demostró que el director no sólo maneja a los actores, el director debe cuidar hasta el más mínimo detalle: que la iluminación sea la correcta, que el fondo musical sea el adecuado, que los técnicos estén a la altura, y su realismo no era el realismo de que tuviera que ser una escenografía construida de manera física, es decir con maderas si quería una biblioteca, a lo mejor era un sencillo telón pintado, pero eso no implicaba que la convención teatral dejara ser realista.
En conclusión lo que yo les quiero decir es que vale la pena que Conaculta, a través de Bellas Artes, le rinda un homenaje verdadero a este gran director y maestro que vino a enriquecer al Teatro mexicano, quien fuera el creador, me atrevo a decirlo, quizá de la mejor época por la que atravesó el teatro en México.

Conferencia para el seminario público de Historia de la Cultura en México 1900-1970. Facultad de Filosofía y Letras, UNAM.

 Meyerhold
Su método de entrenamiento para actores en el Teatro de las Artes parte de las teorías de Stanilavski y Meyerhold y está basado en una gran formación cultural del artista. Las claves de su método 
Ejercicios elementales para la actuación
  • Concentración de los nervios y los sentidos. Libertad muscular.
  • Justificación de la verdad escénica.
  • Seriedad escénica (actitud en el escenario).
  • Sentido de memoria (memoria evocadora).
  • Improvisación.
  • Pantomima.
  • Pequeñas tareas en la actuación: pequeños bosquejos en escena.
  • Interrelación con los actores.
2. Entrenamiento de la voz
  • Emisión, Enunciación, Dicción, Pronunciación y Fraseo teatral.
3. Entrenamiento del cuerpo
  • Gimnasia, Rítmica, Ejercicios técnicos y Biomecánica.



La crítica social en el arte teatral de Seki Sano

Seki Sano, nacido en Japón en 1905, jugó un importante papel en la escena mexicana, como director y formador de destacados actores y directores, desde su llegada a nuestro país, en 1939, hasta su muerte en la ciudad de México, en 1966. Una de las fuentes de las que podemos obtener información acerca de las puestas en escena de Seki Sano es la crónica periodística dedicada a reseñar los montajes teatrales. En este trabajo presentaré la visión de Armando de Maria y Campos, uno de los más relevantes cronistas teatrales de la época, en torno a los temas abordados en las obras montadas por este artista, y la influencia que tuvo en algunos de sus discípulos. De manera particular, me limito a hacer una revisión de las crónicas que De Maria publicó de 1944 a 1965, tiempo en que colaboró en el diario mexicano Novedades. 
De las puestas en escena de Seki Sano a las que el cronista asistió es visible una selección de obras con contenido de crítica social. Esto se debía a que Sano "Estaba convencido de que el artista no puede ser indiferente hacia la sociedad y la época en que vive; que, al contrario, debe ser agente activo para la toma de conciencia social y política". Por ejemplo, en 1946 monta la obra de John Steinbeck, Of mice and men, título traducido por Víctor O. Moya como La fuerza bruta, que centra su acción entre trabajadores del campo en un valle agrícola de California.
De Tennessee Williams, puso en escena Un tranvía llamado deseo, en 1948; a propósito de esta puesta, De Maria publicó unos apuntes que, según el cronista, Williams le había enviado con motivo de la proximidad de su estreno en México. En ellos, el dramaturgo afirma que, dadas las vicisitudes de su niñez, pudo tomar conciencia de la diferencia de clases sociales entre pobres y ricos, lo cual le produjo "un choque y una rebelión que -según palabras de Williams- ha crecido en una parte inherente de mi trabajo", y agrega más adelante: "no creo que ningún escritor sienta mucha fuerza detrás de él a menos que haya sentido amargamente las iniquidades de la sociedad en que vive". Creo que en estas declaraciones empata con los pensamientos de Seki Sano acerca del contenido realista y social que debía mostrar un artista en sus obras. Inclusive, cuando De Maria dedica su columna para hablar del desempeño que tuvo el grupo dirigido por Seki Sano, dice: "la interpretación es magnífica, sobria en esencia, caudalosa en detalles, difícil siempre, porque cuesta trabajo envolver en el tul transparente de la poesía la acción brutalmente realista de la mayoría de sus escenas".
Otra de las obras que comenta De Maria y Campos es la deCorona de sombra, de Rodolfo Usigli, representada en 1951. Con el propósito de resaltar las ideas que Seki Sano consideraba esenciales, pero tomando como base el texto de Usigli, con la anuencia de éste, hizo una adaptación tanto dramatúrgica como escénicamente. De acuerdo con lo que anota el cronista, el director japonés realizó cambios en la obra, que modificaban más de un cincuenta por ciento de la misma, que incluían la supresión de diez personajes. El cronista recogió las siguientes palabras de Seki Sano, como justificantes de la adaptación hecha: "el teatro no es solamente un medio de esparcimiento, sino también es un vehículo de cultura y orientación; al escenificar una obra de esta índole, me cumple manifestar expresamente que como director me interesa antes que nada, su idea fundamental, su esencia positiva".
Con miras a destacar esta idea, uno de los elementos que introdujo el director fue un telón adicional mediante el que se recuerda al público el decreto que contra su voluntad firmó Maximiliano de Habsburgo y que fue una de las causas que originó su ajusticiamiento. Este elemento llamó mucho la atención del cronista, que inclusive le llevó a externar la opinión de que se trataba de una representación con "mensaje, estilo Piscator". 
La obra de Arthur Miller, The crucible, obra traducida por Luisa Josefina Hernández y Emilio Carballido, titulada al españolPrueba de fuego, fue montada por Seki Sano en 1956. En ella se muestra la cacería de brujas suscitada en Estados Unidos en el siglo xvii. Independientemente de la ubicación cronológica y espacial de la obra, ésta expone un tema que en los años cincuenta resultaba muy actual a nivel mundial, e inclusive aún hoy, en tanto existan signos de represión ante manifestaciones sociales. En forma excepcional a como De Maria percibía este tipo de obras, Prueba de fuego sinceramente lo impactó positivamente, pues, dice: "nos habla de temas contemporáneos y revive personajes que son retratos de gentes del más vivo presente (...) es una obra de teatro extraordinaria, por el feliz hallazgo del suceso de actualidad renovada; por su construcción maestra y su verbo apasionado, directo, estrujante y conmovedor". Y no sólo aplaude la realista obra de Miller, también encomia la interpretación, la escenografía y la dirección.
De Nicolás Maquiavelo, Seki Sano montó La mandrágora, también en 1956. Armando de Maria y Campos, en la crónica respectiva, menciona que en esta obra se da "una idea clara de la decadencia de las ideas religiosas en el cinquecento, ocasionada por la corrupción del clero y por el nuevo espíritu indagador que prepara los ánimos para el gran movimiento de la Reforma". Aunados a esta nota sobre el tema de crítica social, se encuentran los comentarios de De Maria sobre el tratamiento escénico de Seki Sano. Apunta que el trazo de los movimientos estuvo inspirado en el teatro noh japonés, así como el empleo de utilería, la cual funcionaba para cambiar el lugar de la acción y además era movida por los propios actores. Con todo y que el cronista destaca el sello japonés de la dirección, ésta le pareció adecuada a la obra del italiano, conjuntando elogiosas opiniones sobre la traducción de Álvaro Arauz, la coreografía de Waldeen, la música de Antonio Castillo Ledón, el vestuario de Lucille Donnay, la escenografía de David Antón -la cual comenta De Maria que mereció un autógrafo de Diego Rivera, en reconocimiento a su calidad- y el grupo de actores. 



 



Link La Presencia de Seki Sano en Xalapa. Laura Jayme Barrientos Universidad Veracruzana

Link El Teatro de las Artes de Seki Sano 1905 / 1966



Fundamentos: Grupo Pánico

El Pánico (también conocido como Grupo Pánico) es un movimiento fundado por el dramaturgo y cineasta Fernando Arrabal; el escritor, filósofo, psicomago y director de cine chileno Alejandro Jodorowsky y el pintor y actor francés, descendiente de judíos polacos, Roland Topor en París, en 1962.
Las primeras experiencias pre-pánicas parten de las obras del primer teatro de Arrabal, cuya cronología el catedrático Torres Monreal establece entre 1953 y 1961 , así como de la dirección de Teatro de Vanguardia por Jodorowsky en Ciudad de México en torno a 1958/1959. Los efímeros Pánicos, llamados efímeros del taller, claros precedentes del happening, los creó Jodorowsky en Santiago de Chile, en 1948/1949, junto a amigos poetas como Enrique Lihn y Nicanor Parra.
Arrabal y Topor se conocen en París en 1960 y ese mismo año Jodorowsky llama a Arrabal en París (el chileno había dirigido obras del español en México) y viaja para conocerlo. Arrabal y Jodorowsky comienzan a frecuentar a André Breton en el café La Promenade de Venus, juntándose con los últimos miembros del surrealismo. Pero este movimiento ya estaba en decadencia y las divergencias generacionales eran palpables por lo que realizan las primeras reuniones pánicas por su cuenta, con Topor, en el Café de la Paix, de París.
Alejandro Jodorowsky en mayo de 1973, estrenó su película La montaña sagrada en el Festival de Cannes Y Fernando Arrabal dos años antes “Viva la muerte”.
El nombre se inspira en el del dios Pan, el cual se manifiesta a través de tres elementos básicos: terror, humor y simultaneidad. Pánico: el movimiento debía tener un nombre propio. Algunos estudiosos aseguran que los inventores del término, definieron las relaciones del movimiento con la ciencia, la filosofía, el ajedrez, la confusión y el azar.

Manifiesto 
primero. segundo manifiesto ‘pánico’. tercer milenio.
Universo ‘pánico’: ‘Teatro de la realidad’ cuyos dos protagonistas (el espacio y el tiempo) forman su propia estructura. El universo se comporta como si revoloteara por sí solo, pero también como si fuera el holograma topológico del cosmos. [Lógico, inolvidable Topor.]




Secuencia pánica: Todo lo que se piensa y todo lo que se ve en el escenario del ‘teatro de la realidad’. Se desarrolla en un trozo de espacio durante un cacho de tiempo. [ni + ni -]



‘Pánico’: Arte de vivir y sendero de descubrimiento que no se pierde horadando el laberinto de los conocimientos archivados. Lo poco que sabe el individuo ‘pánico’ lo debe a su ignorancia.

El ‘pánico’ no pretende mejorar el mundo, ni inspirar una sóla línea de los ‘panicófilos’. [Personalmente aspiro a la santidad patafísica.]



Confusión: Estado por esencia ‘pánico’, que, con el azar, determina el espacio y el tiempo. [Confunde que un diario actual se atreva a publicar un texto como éste.]



Tiempo: Noción sujeta a la confusión ‘pánica’ que puede tener la apariencia de realidad fundamental o de idea útil.

La ignorancia de donde proviene el tiempo nos impide precisar si hubo un comienzo [no sólo durante el amor]. La experiencia intenta persuadirnos de que el tiempo transcurre del pasado hacia el futuro. [Únicamente mis lectores más perezosos se preguntan de dónde sacar tiempo para no preocuparse por el tiempo.]



Espacio: Noción sujeta a la confusión ‘pánica’ que puede tener la apariencia de realidad fundamental o de de representación útil. O sutil.



Realidad: Principio (y carácter) confuso. Únicamente podemos explorarla a través de los dos intérpretes de su propio teatro.

Observamos confusamente a estos dos protagonistas (tiempo y espacio) sirviéndonos de la experiencia de nuestro pensamiento hacia adentro. Por lo tanto nuestra percepción del exterior, hacia afuera, solo puede ser aún más confusa. [Es asombroso que incluso frases como ésta puedan leerlas mis amados lectores en una publicación no especializada.]



Teoría ‘pánica’: Aparece con olor de bosque como la teoría de la confusión.

Surge más de medio siglo después de las dos teorías físicas anteriores: la mecánica cuántica y la relatividad.



Mecánica cuántica: Para el ‘pánico’ es la teoría de lo infinitamente pequeño elaborada por gigantes. Muestra el comportamiento de las partículas elementales y su interacción con la luz [“La torre herida por el rayo”].
Sus productos derivados van del intermediario internet hasta el faxcinante fax.

Relatividad: Para el ‘pánico’ es la teoría de lo infinitamente grande, nacida en una oficina infinitamente reducida de Berna, gracias al ‘técnico de tercera clase’ Albert Einstein. Unifica el tiempo y el espacio pero poniendo en tela de juicio su universalidad.
Sus productos derivados van de la bomba atómica hasta las diligencias de la aceleración. La relatividad constata que un navegante que viaje a la velocidad del rayo [de la luz] se estira mientras que su espacio se estrecha. 

Avatares del “teatro de la realidad”:
Con el primero Newton (como Demócrito) describe el “teatro de la realidad” como si estuviera dominado por el espacio y el tiempo “reales”.
Con el segundo Planck (con los “cuánticos”) describe el “teatro de la realidad” como si estuviera dominado por la “irrealidad” del espacio y el tiempo.
Con el tercero Einstein (con los “relativistas”) describe el “teatro de la realidad” como si estuviera dominado por un solo protagonista, el espacio/tiempo.
Con el cuarto el ‘pánico’ describe el “teatro de la realidad” como si estuviera dominado por el espacio y el tiempo gusaneando en la confusión.

Jaculatorias (y eyaculaciones, del latín jaculari):


Jodorowsky, Topor y yo (como tres músicos de jazz) interpretamos juntos partituras completamente diferentes.



Si Topor, Jodorowsky y yo no hubiéramos sido tan tímidos el ‘pánico’ (y nuestros hijos) tendría varios años más de existencia.

Otro arrabalesco: Cervantes y Shakespeare murieron el mismo día con una semana de diferencia, porque Dios, creador de todo, lo ve todo, lo oye todo y lo confunde todo. [Continuará el día 6.]
6-XI-2005:


EL VELO TRANSPARENTE PERO IMPENETRABLE DE LA CONFUSION ‘PÁNICA’

[Continuación del “segundo manifiesto pánico (tercer milenio)” del 30 de octubre.]

Física: Era la reina de las ciencias y del teclado antes de ser destronada por la biología molecular. Como el surrealismo era el escaparate y ‘la modernidad’ antes del ‘pánico’.

El salto de tigre de la biología molecular pilló desprevenido los biselados de Nobel. Los académicos reconocen ya que la medicina es la práctica de curanderos inoxidables, mientras que la biología molecular es la ciencia de la vida.



Antepasados del ‘pánico’: Peatones de castillos en el aire que supieron, frente a los puristas y sus chatarras, aliar sabiduría y capacidad de definición.

Lucrecio cuenta la ciencia ‘pánicamente’ con el poema epistimológico “De natura rerum”. La interpretación “realista” de la Física siempre fue un análisis furtivo y ‘pre-pánico’:



Alucinación: Percepción del espacio y del tiempo en el ‘teatro de la realidad’.

Los accesorios acurrucados y apuntalados en este escenario no se pueden representar definitivamente ni bajo la forma de ondas ni bajo la de partículas. Se mueven en la secuencia determinada por el espacio y por el tiempo. Los electrodos los átomos o la luz no se comportan ni como olas del mar, ni como bolas de billar, ni como flores de lentisco.

El individuo ‘pánico’ se pregunta ¿por qué la alucinación se disfraza de realidad cuando podía elegir otra máscara? Y sobre todo ¿podríamos quitar el disfraz para reconstruir la esencia?

*

Superdotado: Individuo ‘pánico’ capaz, evitando la alucinación, de resolver los problemas infinitos de un sistema confuso por necesidad. Por ello el superdotado puede inventar galaxias imaginarias o agujeros negros inexistentes y, más extraordinario, determinar la evolución del arte de vivir o del estado de la conciencia. El superdotado ‘pánico’ (con Sancho y Borges) piensa que estamos jugando al ajedrez al interior del teatro de la virtualidad sin adormideras ni sombrillas.



Información: Elemento ‘pánico’ (en su confusión) del conocimiento. Pues la información no describe un objeto o una teoría sino lo que de él o de ella sabemos.

Todo lo que conocemos del ‘teatro de la realidad’ es todo la información que llegamos a extraerle.



Las tres imposibilidades de la información:

.Enviarla más rápidamente que la luz.

.Clonarla a un sistema desconocido.
.Garantizar el código secreto de un sistema ‘pánico’.

Conocimiento ‘pánico’: Facultad en la que sólo cabe una cantidad máxima de información del espacio y del tiempo. Con la prognosis de que aparecerá una información aún más confusa.

Azar ‘pánico’: Ausencia imprevisible de información, teniendo presente que ésta no puede comportarse como materia.

Velo de la confusión: Frontera ‘pánica’ transparente, pero impenetrable, que nos separa del espacio y del tiempo (del “teatro de la realidad”). El ‘pánico’ no se pronuncia sobre la realidad de este teatro puesto que podría existir confusamente.

Límites de la confusión: Mojones que dan forma (y formalizan) la confusión.
Por ello el pragmatismo de la confusión es la actitud y adaptación que ponen de manifiesto el abismo que se abre cuando intentamos definir y medir cualquier sistema.

Ontología del pánico: Estudio del ser en tanto que ser (y no ser). Ciencia, pues, de la esencia de la confusión y el conocimiento integrados fuera de las riadas (de residuos y excrementos) de lo que llamamos “realidad”.
El camino único para conocer los límites de la ontología ‘pánica’ es precisamente la epistemología del pánico.

Jaculatorias (y eyaculaciones, del latín jaculari):
El correveidile, sin llamador ni morral, entre realismo e idealismo es la información confusa del espacio y del tiempo.

Amados lectores: sus comentarios, determinan y determinarán este manifiesto que se está componiendo y recomponiendo a ojos vista.

Otro arrabalesco: El detractor del ‘pánico’, saludado por hormigas, intenta no pensar, y olvida volver a su punto de partida.
                                                                                                           Texto de Fernando Arrabal.


























Fando y Lis is a film adaptation of a Fernando Arrabal play by the same name, and it isAlejandro Jodorowsky's first feature length film.


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EL HIPERSIMBÓLICO MUNDO DE JODOROWSKY

La figura del cineasta chileno Alejandro Jodorowsky es una de las que más polémica despierta. Sus abigarradas y hasta la fecha provocadoras películas suelen dividir públicos con constante frecuencia. Algunos lo tildan de charlatán, otros tanto de extremista y sobrecargado en cuanto a su simbolismo. Sin embargo, y amén de ser lapidado por todos los trolls de redes sociales que día a día hacen escarnio del lenguaje y cosmovisión del director de Fando y Lis (1968), lo cierto es que Jorowsky se ha convertido en referencia cinematográfica obligada dentro de la tradición fílmica universal.
También dramaturgo, escritor, dibujante, psicoterapeuta, escultor, aprendiz de pantomima conÉtienne Decroux, maestro de su cuate Marcel Marceau (mi amiguito, dice en un inconfundible y amable tono chileno) y bizarro padre de familia, la obra y persona de Jodorowsky es seguida fielmente por un séquito de seguidores que se cuenta a carretadas.
La obra cinematográfica medular del chileno, como director, consta de siete películas que han generado un culto enorme debido a su forma y contenido. Su lenguaje y discurso es susceptible a la sobreinterpretación, el análisis serio y su constante discusión ha permitido que las exhibiciones de Alejandro se mantengan vigentes y en el gusto del público desde 1968 hasta nuestros días.
Tras 23 años de ausencia fílmica como director, Alejandro Jodorowsky lanza la largamente esperada película La danza de la realidad, película que marca el regreso del director como figura cultural reconocida, después de décadas de aguda crítica y constante descalificación. Este año estrena su obra en el Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM), en donde se le rendirá un homenaje por su trayectoria cinematográfica.
Si descontamos Tusk (1980) y El ladrón del arcoíris (1990), películas sí de extremo culto y de menor exposición que el resto de sus filmes, las cinco piezas restantes de Jodorowsky, contando la más reciente, forman un corpus que ha venido repitiéndose dentro y fuera de la pantalla, sin dejar de lado la extravagancia de sus formas, sumamente teatrales y en muchas ocasiones arcaicas y ridículas. Los elementos que incorpora el chileno sirven como cuestionamientos filosófico-espirituales para el espectador, en donde los límites y prejuicios de éste se ponen en jaque, provocando ya sea la entrega total o el odio puro y llano, pero en pocas ocasiones la indiferencia total.
Ya desde Fando y Lis, película realizada en blanco y negro, Alejandro Jodorowsky marcaría el estilo que lo caracterizaría, con la impronta de México como país clave para poder realizar sus trabajos más reconocidos a la fecha como el ya mencionado El topoLa montaña sagrada (1973, también grabada en Estados Unidos) y sobre todo Santa sangre (1989), la cual tiene la mayor cantidad de simbología mexicana.
Una de las constantes en la filmografía del director nacido en Tocopilla, Chile (1929), son los viacrucis, los viajes iniciáticos de transformación para pasar de un estado de vacío y traumas, hasta llegar a la sanación y plenitud espiritual, elemento clave de su psicomagia, técnica que ha llevado promoviendo por décadas, y de la cual también han formado parte tres de sus cinco hijos (uno ya fallecido), Cristóbal, Brontis y el también cantante Adán.
A principios de los 60, Jodorowsky ya era una figura controversial al lado de Fernando Arrabal, con quien fundó el Grupo Pánico, movimiento artístico que es pieza clave para comprender los precedentes directos del happening y el performance en México. Dicho grupo estaría fuertemente reflejado en Fando y Lis, en donde la plástica surrealista y el teatro del absurdo juegan un papel notable. Fando y Lis habla de la codependencia enferma de pareja, pero también tiene fuertes críticas a los conservadurismos y las dictaduras de Latinoamérica.
En el famoso western metafísico, El topo, marca el periplo de un bandolero que pasa por diferentes estadíos en pos del sentido de la vida. Jodorowsky continúa empleando a mutilados, travestis, enanos y actores no profesionales como protagonistas de sus fábulas más tronadas y para muchos completamente inasequibles o completamente fumadas.
Para La montaña sagrada, Jodorowsky se sobrecarga con el tarot, el hermetismo y la metafísica, la crítica al capitalismo, el camino a la purificación y el desapego del mundo material. De alguna manera es una película clave, en donde el chileno perfecciona esa estética fea y comienza a gestarse el mito del personaje enigmático y las películas difíciles de encontrar, con fuerte arraigo y culto en los VHS delTiánguis del Chopo.
La danza de la realidad, de alguna manera marca un momento clímax de Jodorowsky, en donde toda su simbología es plasmada a manera de autobiografía onírica-fantástica, en donde Alejandro regresa a su natal Tocopilla para echar un vistazo a su árbol genealógico, encarnado por sus hijos, con intervenciones constantes que forman parte de una vida difícil digna de un psicoanálisis profundo y respectiva sanación espiritual.
El más reciente trabajo del chileno se estrenó en el más reciente festival de Cannes, dentro de  la sección La Quincena de Realizadores, donde recibió buenas críticas, pero no un fervor unánime como probablemente sí veamos en el FICM. De entrada, se abrió una función extra y las localidades del estreno ya están agotadas.
Alejandro Jodorowsky cierra de alguna manera un ciclo en su carrera como artista total, al parecer, pese a la burla de la que son objeto él y su obra, el chileno logró probar el punto y supo mantener un lenguaje sólido y autónomo. El homenaje es merecido y su culto permeará por mucho más tiempo.
Una de las cosas que siempre sucede con las lecturas que se le dan a las películas del director de Santa sangre, es que o se ve como una ridiculez o se toman demasiado en serio. Justo ahí podría estar la clave cuando se vean las obras del director chileno. Sí es sano, de alguna manera, verlas con humor, pero es innegable también su visión crítica o espiritual que, a veces demasiado cirquera o absurda, logra dar en el clavo con aspectos importantes de cualquier cuestionamiento humano. Habrá que ver La danza de la realidad y sacar nuestras propias conclusiones o, en paráfrasis jodorowskiana: entregarnos a ella.
 La danza de la realidad . Image courtesy of Pascale Montandon-Jodorowsky.
 La danza de la realidad . Image courtesy of Pascale Montandon-Jodorowsky.
Alejandro Jodorowsky is a Chilean artist, naturalized as a French citizen in 1980. Among his many professions he stands out as a writer (novelist, playwright, poet and essay writer), theater director, film director, scriptwriter, actor, mime, puppeteer, soundtrack composer, sculptor, stage designer, cartoonist, illustrator, tarot instructor, psychotherapist and psycho magician.
Alejandro Jodorowsky’s work is known for being risky, restless and rebellious. His unique vision has established him as a cult filmmaker and as an obligatory reference in the history of cinema.
Mexican premiere of La danza de la realidad / The Dance Of Reality
After directing El ladrón de arcoíris / The Rainbow Thief in 1990, his last film for more than two decades, Alejandro Jodorowsky returned to cinema in 2013.
Jodorowsky will be the guest of honor at the 11th FICM, where he will be present for the Mexican premiere of La danza de la realidad (2013), based on an autobiographical book by the same name.
According to the first journalistic impressions, the film is an introspective journey into childhood, filled with beautiful symbolic images. La danza de la realidad stars his son Brontis, who played his grandfather; so making the film turned out to be a very familiar experience.

Autobiografia-testamento di Jodorowsky con La Danza de la Realidad

Quattro giorni di pausa e si riparte. Anche per i globetrotter del cinema la vita - si fa per dire - è dura. Così, quando ancora si spazzano le sale del Festival del Film di Roma, tocca andare a Torino per il TFF che apre i battenti. E fra i due non corre affatto buon sangue...

Intorno a questo evento culturale così importante spira un’aria di purezza e di pulizia, di serietà, di passione autentica, testimoniata dalla grande, crescente quantità e dalla qualità dei suoi spettatori. Forse anche perché si tratta del primo festival cinematografico metropolitano che abbiamo avuto in Italia, nato per l’appunto nel cuore di una grande città la cui identità affonda le radici nel lavoro, nella fabbrica, nella letteratura, negli albori dell’industria cinematografica, nella passione per la politica, per la filosofia e per il gioco del pallone“. Queste le parole di Paolo Virzì (Virzì, attuale direttore del festival piemontese) nell’introdurre – quattro giorni dopo Roma – un altro grande festival, il TFF di Torino (22-30 novembre), che non punta sulle star (budget di 2,5 milioni contro i 7 della Capitale) ma sulla varietà e sulla qualità.

OFFICIAL TRAILER Torino Film Festival



Bien por Fernando Arrabal

Arrabal contra Dalí contra Picasso

En 1937 España está rota y ardiendo por la Guerra Civil. Desde París, presenciando a distancia la tragedia y en vísperas de la Exposición Internacional de París, Salvador Dalí y Pablo Picasso discuten, en singular batalla dialéctica, sobre dos de sus obras que están profundamente relacionadas con la contienda: Premonición de la Guerra Civil, del primero, y el Guernica, del segundo. Estas son las premisas deDalí versus Picasso, la última creación del dramaturgo (y Trascendente Sátrapa del Colegio de la Patafísica) Fernando Arrabal que, en estreno mundial, se puede ver en las Naves del Español de Matadero hasta el 16 de Marzo.
Fernando Arrabal by CLAUDIO ALVAREZ
“Solo hay dos cosas malas que pueden pasarte en la vida, ser Pablo Picasso o no ser Salvador Dalí”, reza la conocida cita de Dalí; sin embargo Arrabal, que, con su discurso lleno de meandros y referencias participó este miércoles en la presentación de la obra, niega que existiese esa cacareada rivalidad entre ambos creadores: “Dalí y Picasso eran hombres que no pensaban en el éxito o en el fracaso. Fueron caballeros de la ciencia, la literatura, la pintura, el arte… Esa rivalidad que se les presupone no existe: ambos son soldados de un mismo bando. Y ambos están en el exilio”, cuenta el dramaturgo, “por ejemplo, Picasso, que no era demasiado generoso, le pagó a Dalí su primer billete a Estados Unidos”. La obra está dirigida por Juan Carlos Pérez de la Fuente, quien ya había dirigido otras obras arrabalescas como Cementerio de automóviles o Carta de amor (como un suplicio chino), e interpretada por los (muy bien caracterizados) Antonio Valero y Roger Coma.
Trata Arrabal de una época “en la que Picasso era más conservador y Dalí, aunque luego fuera fervientemente monárquico, fantaseaba con matar al Rey de España”. Y ambos eran exilados en París, como el propio Arrabal. “Lo hablo siempre con mi amigo Milan Kundera: no soy ni español ni francés, soy del exilio”. Como apátrida, ¿qué piensa de la independencia de Cataluña? “No tiene importancia”, dice, “aunque a mí me echaron de El Mundo (es un honor que le echen a uno de un periódico) porque me negué a firmar un papel en contra de los nacionalistas catalanes, igual que me he negado siempre a firmar estos papeles políticos. El señor que dirigía me echó. Pero quién no me ha echado a mí”, bromea.
Paralelamente al texto que ahora se presenta, Arrabal ha escrito Diálogo en el Kremlin, un drama protagonizado por otros dos pesos pesados: Ludwig Wittgenstein y Stalin. “Trata sobre Wittgenstein, para mí el mayor filósofo de la historia”, adelanta, “de la época en la que se sospechaba que había formado un grupo de cinco espías soviéticos, apodados Los Apóstoles, en las hermandades universitarias de Cambrigde. Un grupo que estuvo a punto de echar a pique Inglaterra y entregársela a Stalin”.
A Arrabal, como a Dalí y a Picasso, le interesa mucho la ciencia, y le gusta citar abstrusas cosas científicas como el Teorema de Incompletitud de Gödel o los fractales de Benoît Mandelbrot. Y, oh sorpresa, es optimista respecto a la situación actual: “siempre se ha pensado que vivimos una mala época para la cultura y la ciencia. Desde Platón, que se quejaba de que el público fuera a los Juegos Olímpicos y no a los teatros de Atenas, que tenían los mejores dramaturgos. También se quejaba Quevedo, por ejemplo, pero vivimos un momento de gran efervescencia”.

Alejandro Jodorowsky: 
'Hacen falta locos como yo'

-El polifacético artista Alejandro Jodorowsky estrena 'La danza de la realidad', una película autobiográfica sobre su infancia en un pueblo del desierto chileno.-
                                                 
by MARÍA QUINTANA el pais - CINE Estreno 2014/09/25

El 'yo' niño de Alejandro Jodorowsky junto a varios personajes que le acompañan en 'La danza de la realidad
by PASCALE MONTADON

"Nunca me fui. Estos 23 años han sido una tortura. Estaba en mi casa con una gran pantalla donde veía películas con envidia pero también con muchísimas rabia porque solo se hace cine para vender". Así de contundente se muestra Alejandro Jodorowsky, el polifacético artista chileno que a sus 85 años vuelve al cine con 'La danza de la realidad', una autobiografía que ya convirtió en libro en 2001.

El viaje a su infancia se desarrolla en el pueblo de Tocopilla (Chile), donde tullidos dañados por la dinamita minera viven esquinados por la sociedad mientras se emborrachan con alcohol de quemar. Mientras, en una costa envenenada, los peces yacen en la orilla abarrotando la arena. Allí vive el pequeño Alejandro, con una madre que habla cantando ópera y un padre comunista tremendamente estricto con su hijo. Estos ingredientes, junto a la envoltura onírica y mágica de las creaciones de Jodorowsky dan como resultado el séptimo largometraje del creador. "En la película no quiero mostrar, pretendo experimentar, hacer un arte terapéutico pero no aburrido", comenta el creador.

Para Jodorowsky el arte no es tal si no cambia al que la percibe, metamorfosis que no encuentra en la industria hollywoodiense, a la que arroja casi todos sus dardos: "Lucho contra la industria cinematográfica que solo está para ganar dinero y vender relojes, cigarrillos, alcohol e ideas políticas. Es una infiltración, una colonización". El creador chileno trata de desterrar una y otra vez la idea de que un director de cine quiera lucrarse con sus obras: "Yo no quiero venderme, no quiero ser un prostituto, como hace toda la gente que trabaja en la industria", afirma.

El Jodorowsky más espiritual, ese que domina el Tarot y que introduce una reflexión filosófica en casi cada una de sus afirmaciones también aparece en la película, en carne y hueso, abrazando o cogiendo de la mano a su 'yo' niño. "Sentir el despegue del pasado, aterrizar en un cuerpo de adulto, soportar el peso de dolorosos años, pero en el corazón conservar al niño", dice el creador en un momento del filme. Su faceta de sanador a través de la psicomagia, la técnica creada por él mismo que aúna elementos como el Tarot, el psicoanálisis o el teatro, abarca su filosofía de vida.

Confiesa haber disfrutado de niño con el 'Romance Sonámbulo' de Lorca "aunque no sabía ni lo que quería decir", con los cuadros de El Greco, y Goya y con esa Gioconda que "no ves sino que te mira y te cambia". El verdadero arte para Jodorowsky está en todo lo que dista del pasatiempo, algo que el creador compara con el tabaco, "el cigarrillo es bueno pero te mata", o, sin ir más lejos, con el propio cine contemporáneo: "Ahora en la sociedad ya no hay ejemplos. Antes estaba Zeus, Hércules o Aquiles y ahora Spiderman, Iron man, Superman y todas estas imbecilidades norteamericanas".

A pesar de la superficialidad que detesta, Jodorowsky sigue percibiendo belleza y bondad en cada recoveco: "Te das cuenta de que la belleza existe, que el pensamiento, el amor, el sexo es bello y que las acciones son bellas pase lo que pase", comenta, "Todo lo que digo parece utópico, ¿Y por qué no serlo? Son las utopías las que mueven el mundo. Yo, modesto cineastas, me permito pensar, no como un industrial o comercial, sino como un director de cine. Hacen falta locos como yo".

El poso que el creador cree que ha de residir en cada uno tras sumergirse en las páginas de la novela o en los fotogramas de una película reside en 'La danza de la realidad' en un aprendizaje personal que se eleva a todo el que se sumerja en los recuerdos de Jodorowsky: "Me gustaría que después de ver la película empezase a hacer su árbol genealógico, que comience a examinar su memoria, a hacer un perdón interior, a encontrar su valor, que termine de despreciarse, que tenga otro sentido del ser humano, que no busque el poder, que se de cuenta de que el dinero no es Dios, sembrar conciencia, esa es la labor del arte".

Brontis, Cristóbal y Adán, tres de los hijos de Jodorowsky, actúan en 'La danza de la realidad'. Quiso de este modo huir de muchos de los intérpretes que ahora considera solamente vendedores. "El ego de los artistas está putrefacto", afirma, "ya pasé por problemas de ego, dirigí a Peter O'Toole. Cuando se murió grité de alegría porque le odié a morir. Tanto me fastidió en la película que hasta hoy le odio, aunque esté muerto".

El viaje que Jodorowsky emprende en su última película llega a su fin, y con él se alejan los demonios, los malos recuerdos, el pasado más interiorizado durante toda una vida. "¿Cómo no voy a perdonar a mi padre si esta interpretado por mi propio hijo? Se creó una relación entre padre e hijo que es más que diez años de psicoanálisis".

by MARÍA QUINTANA el pais - CINE Estreno 2014/09/25



Alejandro Jodorowsky junto a su 'yo' niño, interpretado por Jeremias Herskovits by PASCALE MONTADON
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